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40 PRIMERAS OBRAS PARA CREER EN EL SIGLO XXI (Parte 2)

Por Manuel Ortega (Critic Welover, Subdirector Miradas.net)

Cumpliendo con la segunda parte de mi compromiso con We Love Cinema,  me doy cuenta de que es muy difícil hablar de cine español con la libertad precisa para huir de lugares comunes, de lo establecido y de lo que es porque tiene que ser. Incluso en un artículo donde selecciono las que son para mí (Manuel Ortega Pérez, 7578… hijo de) las mejores cuarenta óperas primas de la primera década de nuestro siglo me encuentro que los diseñadores de esta página ya han elegido también las suyas y han incluido sus fotos. Sé que para muchos Pagafantas (Borja Cobeaga, 2009) y La vergüenza (David Planell, 2009) tendrían que tener presencia en mi artículo, pero creo que se van a quedar sólo con las fotografías porque, para mí, ambas representan ciertos males (¿endémicos?) que lastran a ciertos debutantes de “prestigio” en su salto con red (sobre todo Internet) al largometraje. Sólo espero que esta segunda entrada no esté ilustrada con fotos de Piedras (Ramón Salazar, 2002), Bajo las estrellas (Félix Viscarret, 2007) o Albert Serra.

LA ESPALDA DEL MUNDO (Javier Corcuera, 2000)

La némesis de lo que se lleva ahora en el tema de documentales es quizá la primera película estrenada de todas las que he seleccionado. Éramos más jóvenes, gobernaba Aznar que era muy malo, Sabina todavía no cantaba con Pereza y Pedro Guerra parecía una buena banda sonora para cualquier película. Éramos más jóvenes y Javier Corcuera puso de su parte con un documental que huye de la demagogia para acercarnos la mirada limpia de la ideología sin ambages, de la imagen precisa sin ataduras y, básicamente, el cine comprometido y honesto de un hombre que parece machadiano en el término de bueno. El resto de su obra guarda una coherencia, nos enseña una sola dirección y ahí queda. Como nuestra herida.

EL FACTOR PILGRIM (Santi Amodeo y Alberto Rodríguez, 2000)

Coge una cámara, vete a Londres y tráete una película. Esa parece la premisa del debut de los sevillanos Rodríguez y Amodeo tras el inesperado éxito de su cortometrajeBancos (1999). Y les sale una comedia fresca, digerible, multicultural y repleta de sordina y sarcasmo. Un cuento sobre una leyenda que es al mismo tiempo un cuento. Una historia sobre las canciones de los Beatles (y el supuesto paleto escocés que se las escribía) que se parece a una de ellas. Amodeo ha hecho luego películas bastante apreciables. Rodríguez ha hecho algunas más famosas, pero muy mediocres para el que esto firma.

FEBRER (Sílvia Quer, 2004)

Cuanto más complicado es un debut mas sencillo es encontrar las virtudes y defectos. La adaptación que eligen Sílvia Quer y Lluïsa Cunillé no es fácil (Cinco noches de febrero, de Eduard Marquez) y salen más que indemnes reforzadas del intento. Una trama enfermiza y compleja que mezcla las pasiones humanas con los avances tecnológicos, el vídeo doméstico y la vida (aunque sea simulada) tras la muerte. Una apuesta arriesgada, una película sugerente, una ópera prima que necesita ya de una segunda obra para confirmar todo lo bueno que nos muestra.

FRÍO SOL DE INVIERNO (Pablo Malo, 2004)

Enfermiza y brillante, tiene Frío sol de invierno la potencia de la determinación y el inquietante regusto del clasicismo más visceral. El fatum, la mala leche, la sombra de todo y la certeza de nada. Toda esas cosas que separan al thriller dramático bien cocinado del cine de acción español increíble y pertinaz en la generación y perpetuación de lugares comunes ajenos. La segunda parte de Frío Sol de invierno se deja arrastrar por la acumulación de situaciones que hace que lo que antes era natural, luego parezca impostado. Pero Malo sale indemne con una planificación visual y conceptual que no se le presupone a un debutante.

EL HABITANTE INCIERTO (Guillem Morales, 2004)

El debut de Guillem Morales opta por trabajar la atmósfera y por alcanzar el terror mediante la sugerencia y una historia de esas que a todo el mundo inquieta: alguien entra en tu casa y desaparece en ella. Morales administra las dosis con cuidado y sabiduría, no nos deja empatizar demasiado con el protagonista consiguiendo así la abstracción y el alejamiento con ese cuento extraño y perturbador. Lástima que tenga que terminarla, que tenga que elegir y que no nos deje con la duda eterna del miedo natural a la invasión de lo personal y lo propio.

HIPNOS (David Carreras, 2004)

No es una película redonda el debut de David Carreras. Ni siquiera se podrá decir que es una película plenamente satisfactoria. Es más, su resultado final no esconde unos defectos casi de base, casi de principio(s). Pero intentar hacer terror puro desde el punto de partida de un guión tradicional y una puesta en escena sofisticada, con una tendencia a solucionar con imágenes cada situación que se presenta y con un raro cuidado por la coherencia y la cohesión de su trama y de su estética, nos hace pensar en esta propuesta pequeña pero audaz como una de las óperas primas mas interesantes de los últimos años.

LAS HORAS DEL DÍA (Jaime Rosales, 2003)

Cuanto más sabes sobre Jaime Rosales menos te gusta su cine. La gente te viene con anécdotas, las revistas con entrevistas, los periódicos con artículos. Pero hay que hacer el esfuerzo de retrotraernos al 2003 y de imaginar el impacto que sentimos cuando Alex Brendemuhl mata a la taxista por primera vez. La extrañeza de su mirada es la extrañeza de un mundo que se convierte en obra. Su habilidad para filmar diálogos (hasta cuando no se escuchan, como en Tiro en la cabeza, 2008), su manera frontal de aferrarse a cualquier laberinto y su pertinencia como voz diferente, agria y locuaz convertían a Jaime Rosales en la gran promesa de nuestro cine. Ahora que es toda una realidad hay que reconocer que su cine sigue conteniendo una potencia extrema. Aunque él, en realidad, no nos guste tanto.

INFECTADOS (Álex y David Pastor, 2009)

La ruta natural (2004) es uno de esos cortometrajes que contando lo mismo de siempre, conseguía alcanzar la gloria (y los premios) por su forma original y nueva de contarlo. Para empezar, en el largo los hermanos Pastor han olvidado ese requisito fundamental para destacar y han hecho una película americana (quizá alguno critique incluso que deba estar aquí por nacionalidad) que destaca por todo lo contrario: parece una película de unos veteranos que esperan poder hacer algo más, antes que la de unos debutantes con ganas de vomitar todo en una obra inicial. De momento, la primera no les ha salido redonda, pero sí atractiva, potente, dinámica, profunda (cierto aire carpenteriano ayuda a ello) y tan americana que sólo podemos quitarnos el sombrero (cordobés) si lo tuviéramos.

LA INFLUENCIA (Pedro Aguilera, 2007)

Tiene La influencia muchos motivos para ser una obra fallida por la “pureza” de su propuesta. Nuevamente, Bresson y sus sagrados nietos haciéndose pasar por Bresson sin tener ni el talento ni la actitud. Pero el debut de Pedro Aguilera escapa con habilidad del páramo intelectual de la mímesis atroz del inigualable (apúntenlo, se lo deletreo: i-n-i-m-i-t-a-b-l-e) maestro francés. Que sea una película tremenda sin necesidad de caer en el tremendismo, que sea pura sin purismos de manual, que sea cine con mayúsculas por su concepción, planteamiento  y plasmación ayuda cantidubi. Una ópera prima sugerente que nos descubre una voz que se alza sobre todos menos sobre sus imágenes, su tempo y su magnífica dirección de actores magníficos.

INTACTO (Juan Carlos Fresnadillo, 2001)

Desde De la Iglesia no ha nacido (para el cine, claro) un director español con el poder visual y narrativo de Juan Carlos Fresnadillo. Es lo que tiene ser fan de Spielberg, que si eres bueno puedes ser mejor. El canario exhibe en Intacto una mezcla insobornable entre el conocimiento de los géneros, el respeto al público y la fascinación por el poder de las imágenes. El trayecto nos muestra a un creador de sombras, a un impactante demiurgo que no se achica ni se corta con los presupuestos o los actores de campanillas. Imágenes como la de la carrera por el bosque marcan la hipnótica capacidad de Fresnadillo de convertirse en todo un referente para el cine de género y para el cine español en general sin apenas haber arrancado una trayectoria que esperamos fulgurante.

LO QUE SÉ DE LOLA (Javier Rebollo, 2006)

Rebollo sabe a lo que juega pero quizá olvida cuánto dura el partido. Hábil cortometrajista, director de dramas exactos y conmovedores, en su paso al largometraje le falta conciencia del tiempo. En una maratón no se puede empezar esprintando. Es clave conocer cuánto dura nuestro martirio para superarnos poco a poco.  Pero, a pesar de que Lo que sé de Lola es por eso una propuesta fallida y que pierde fuelle e interés, Rebollo nos presenta algo diferente, refrescante dentro de su enfermizo aliento, malsano en su utilización de recursos clásicos para intentar, al menos, resultar sugerente. Lola Dueñas echa el resto, y Rebollo nos convierte así en voyeur de su propia redención cinematográfica. Nutritiva, al fin y al cabo.

MUERTOS COMUNES (Norberto Ramos del Val, 2004)

Atrevimiento es la primera palabra que se me ocurre cuando pienso en el debut de Norberto Ramos del Val. La segunda tristemente es “ay” y eso ya no mola tanto. Porque si por cojones se mide al cineasta, Ramos del Val los tiene cuadrados. Una historia de guardia civiles, detectives, Navarra en el 73, franquismo, Cristo Rey, FBI y bombas atómicas no parece el caldo de cultivo idóneo para un debut. Pero Ramos del Val capea con todo eso y hace verosímil y apasionante una historia imposible, filmada de manera tajante, sin levantar la voz, pero mostrando una personalidad clara y meridiana a la hora de entender la narración cinematográfica. Una pena que haya circunstancias insalvables como, por ejemplo, la rara interpretación de Javier Albalá.

LA NOCHE DE LOS GIRASOLES (Jorge Sánchez-Cabezudo, 2006)

La noche de los girasoles tiene cierto regusto a trabajo final de carrera del chico más listo de la clase. Porque todo lo que compone la primera obra de Sánchez-Cabezudo tiene el regusto de lo preciso y de asunción del conocimento teórico a varios niveles prácticos. Algo así como un clinic de narración, un trabajo de dirección de actores francamente impresionante, un sentido del ritmo voraz y medido y una falta de respeto sensacional a ciertos patrones entre lo verdulero y lo manido. Todo eso hace de La noche de los girasoles una película excepcional en el estricto doble sentido de la palabra.

NÓMADAS (Gonzalo López-Gallego, 2001)

Gonzalo López-Gallego no escatimó ni un solo ápice de su guión para dirigir una de las óperas primas más raras, herméticas, personales, descorazonadoras y contundentes que uno recuerda. No hay duda de que si no hubiera sido tan irregular hoy mucha mas gente la recordaría, pero es admirable la habilidad de López-Gallego para moverse con soltura en las arenas movedizas del cine de autor mas pretencioso sin caer en lo pedante y consiguiendo alcanzar una voz propia. De eso muchos tendrían que aprender bastante. Lo mismo que López-Gallego de cine de género tras rodar la ortopédica El rey de la montaña (2007).

15 DÍAS CONTIGO (Jesús Ponce, 2005)

El drama social dado la vuelta. La comedia de vagabundos con problemas de drogas y SIDA y un pasado carcelario puede ser, si no desternillante, sí al menos responsable de sacarnos una sonrisa. Y como ya habrá dicho alguien, la sonrisa nos acerca mucho antes a los demás que la mueca o la lágrima. La primera película de Jesús Ponce es todo eso y más: un recital interpretativo, una escritura brillante, una puesta en escena amiga del detalle y un discurso para nada moralista hacía del director sevillano una cámara a seguir. El resto de su obra la habrá hecho su primo.

SÉ QUIÉN ERES (Patricia Ferreira, 2000)

Si el thriller español fuera bueno sería la polla (o la leche, o la repera, lo que quieran). Tenemos localizaciones increíbles, un pasado de miedo y a la guardia civil, por ejemplo. Tenemos tanta materia prima que Sé quién eres (sin ser la repanocha, o…) es  la demostración palpable de que el cine de género hecho con un poco de actitud y mucho rigor (éste es uno de los grandes problemas de nuestro cine) puede tener un sitio de honor dentro de nuestro imaginario. Luego su directora hizo un drama fabuloso llamado Para que no me olvides (2005), que parece que todo el mundo ya ha olvidado.

SMOKING ROOM (Roger Gual y Julio D. Wallovits, 2002)

Yo trabajo en publicidad y el nombre de Julio Wallovits tiene una importancia que quizá para ti, querido lector, no tiene ni deba de tener. Argentino raro, jefe entre extraño y temible, publicista cercano a lo genial, outsider de su propia existencia, resulta muy gratificante que su debut en cine junto a Roger Gual (otro creativo cambiado a la acera del cinematógrafo) tenga tanto cariz político y tan poca frivolidad. Vista unos años después (y tras soportar estoicamente La silla, 2006), uno tiene la sensación de que la película se va a estrenar mañana. Será porque la construcción de Smoking Room es la construcción del mal. Todos los ángulos están muertos dentro de un ataúd.

EL SOMNI (Christophe Farnarier, 2008)

Farnarier demuestra que no todo va a ser hacer lo mismo que se supone que se sabe hacer. Fotógrafo del Miedo (es decir, Albert Serra) y entusiasta colaborador en películas independientes, en su debut le cede la palabra a Joan, el Pipa, el pastor trashumante, un hombre de otro tiempo para construir el cine del nuestro. Un acto de humildad que se nos revela casi como atávico al ceder el protagonismo al paso de las estaciones, a los caminos primigenios y a las reflexiones naturalistas de los paisajes exteriores e interiores de una Cataluña que ya no existe en un mundo que ya no importa.

TORREMOLINOS 73 (Pablo Berger, 2003)

El orden alfabético a veces es el caos. En otras ocasiones representa a la verdad. Este artículo termina con mis dos películas favoritas de estas cuarenta (como si fuera la lista de Los 40 Principales o una enumeración al uso), como si la casualidad, el alfabeto o un orden extraño se impusieran sobre la lógica. Torremolinos 73 es una comedia magníficamente dramática, un drama terriblemente cómico que aúna en su discurso la propia entidad de un cine como el español que tiene pocos caminos propios (la comedia triste es el principal de esos pocos), la universalidad de los sentimientos propios y la cinefilia desaforada. Berger demuestra ser un director a la altura de su guionista: él mismo.

YO (Rafa Cortés, 2007)

Rafa Cortes es un milagro. Un director que aúna en su poder la coherencia estético-ideológica que es precaria en casi todos los demás. Un director que hace de la coherencia su motor y de las limitaciones crea ventanales amplios y luminosos por donde se cuela la creatividad. Yo es una de las mejores películas en muchísimos años, y lo es porque no desdeña nada. Es narrativa como el poder de tener y saber contar una historia y, al mismo tiempo, es sofisticada en su decidido compromiso por la contemplación hacia sus propias creaciones y paisajes. Acción contemplativa (¿contemplación activa?), fábula fantástica sobre la identidad, sus fantasmas y sus espíritus y un thriller de autor que entre el homenaje a la precisión y la sublimación del azar se convierte en homenaje a autores inclasificables como Polanski o Verhoeven. Sin lugar a dudas, la rueda a seguir.

WE LOVE CINEMA

Por Javier Garanto (Art Welover, Diseñador)

Welovecinema.es alternará diariamente su sección “Operación” con un tema crítico de opinión acerca de “La mejor película española de la década”, mañana Domingo 17 de enero: Ciro Altabás ( Realizador cinematográfico, Manual práctico del amigo amiginario (Abreviado).