A partir de mañana día 1 dará comienzo nuestro número #02 “Cine Teen: Yo tambien fui un espectdor adolescente”. Nos encontramos muy satisfechos del trabajo realizado y mañana verá la luz de nuevo en una cita diaria con el cine durante marzo y abril de 2010. Que la disfrutéis.

Hoy nuestra última sección del número, “Post-Operatorio” con un “Especial El cosmonauta”. Su director, productores y actor principal finzalizarán las últimas páginas de esté #01. Gracias a todos.

BILLY FREUD´S LAST NIGHT (Pablo Maqueda y Pedro Román, 2005)

Por Nicolás Alcalá (Director de El cosmonauta)

Seamos honestos: cuando alguien te escribe y te pide que le hagas un artículo con tu opinión sobre la mejor película española de la década lo que está haciendo en realidad es putearte de forma consciente y premeditada.

Cuando encima es un buen amigo tuyo y no te deja escapatoria, entonces se llama tortura. Aunque supongo que parte de la gracia es esa.

Llevo dos meses pensando sobre qué película escribir. He de reconocer, cilicio en mano, que no he visto todo el cine español que me gustaría. He de reconocer también que, en un intento de mantener algo de la dignidad que me queda, aunque me fascinó sobremanera, he decidido no escribir sobre Mentiras y gordas (Alfonso Albacete y David Menkes, 2009).

Tampoco voy a escribir sobre el prodigio rítmico que es Los cronocrímenes (Nacho Vigalondo, 2007), ni sobre la exhuberancia de En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín, 2007), ni tampoco del perfecto equilibrio técnico de Celda 211 (Daniel Monzón, 2009) o la maravillosa La flaqueza del bolchevique (Manuel Martín Cuenca, 2003), de la que soy fan declarado. Y tantas otras.

Pero después de mucho pensar, decidí que la premisa debía ser “la película que haya cambiado tu mirada sobre el cine”, y aunque todas las mencionadas anteriormente y algunas otras han tenido algo que ver con cómo veo el cine ahora, la que verdaderamente ha sido responsable de que hoy en día esté haciendo el trabajo que estoy haciendo es una película ínfima, que la mayoría no conoceréis, pero que fue un punto de inflexión.

Billy Freud’s Last Night. ¿Que qué es esto? “Una película de instituto americano, hecha en España”, así decidieron venderla sus creadores, Pablo Maqueda y Pedro Román (con Nicolás Romero como productor). Es una película en la que tres chicos decidieron no conformarse y estando todavía en tercero de carrera pusieron en pie una producción con unos medios humanos que ya quisieran muchas de las producciones del cine español. Con la ayuda técnica de Icono TV, el resto de las cuarenta personas que trabajaron en la producción no cobraron un solo euro, pero pasaron por una de las experiencias más extrañas y emocionantes de sus vidas.

Es una película rodada con ínfimos recursos en un tiempo absurdamente corto y de calidad técnica dudable. Ni siquiera se estrenó en cines (bueno, en uno sí, y por eso está aquí y puedo considerarla entre las películas de la década) y no llegó a conseguir distribución por motivos que no vienen al caso. ¿Por que está aquí entonces, como mejor película española?

Porque cambió por completo mi mirada sobre el cine. Porque después de participar en su realización, entendí que todas esas historias sobre el cine independiente hecho con un par de decenas de miles de dólares eran ciertas. Porque durante los meses de preproducción y rodaje viví la emoción de ser parte de algo enorme y emocionante. Porque supimos resolver todos y cada uno de los problemas que se presentaron de formas inimaginables y el resultado fue un éxito.

Con perspectiva, cinco años después, pienso que si hubiésemos sido la mitad de conscientes de lo que somos hoy, no la habríamos podido hacer. No con esos medios. No con la cantidad de dinero con que la hicimos. No moviendo a toda la gente que movimos.

Esa película fue mi primer contacto serio con el cine y cambió por completo el rumbo de parte de mi vida. Gracias a lo bueno y malo que aprendí, hoy en día existe Riot Cinema como la conocéis y existirá en breve El cosmonauta. Billy Freud, como la llamamos entre amigos, fue la mayor aventura de nuestras vidas, y a pesar de todos sus fallos y su dudosa calidad, es la película española que más aprecio de la década.

Como no quiero extenderme más, os animo a que ahora que he plantado una semillita de curiosidad en alguno de vosotros, os animéis a comentar este post y a pedirle al “jefe de todo esto”, Pablo Maqueda, que escriba él un artículo contando su experiencia y anécdotas sobre el rodaje, que se atreva por fin a colgar la película en Internet, que comparta con vosotros esa fantástica pieza de serie Z que es BFLN. Lo merecéis.

PD: (Pablo, ojo por ojo ;P)

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INCONSCIENTES (Joaquín Oristrell, 2004)

Por Carola Rodríguez (Productora de El cosmonauta)

Son muchas las veces a lo largo de la vida que surge la conversación de “¿cuál es tu película preferida?” o “¿qué tipo de cine te gusta?”. Y todas esas veces mi respuesta es la misma: “no puedo elegir solo una película” o “no tengo un género o tipo de cine preferido. Para que una película me guste tiene que emocionarme, tocarme algo ‘dentro’ y no dejarme indiferente. Quién o cómo lo haga no es importante”.

Inconscientes fue una de esas películas que me gustaron de principio a fin: la forma de tratar la Barcelona de los años 10 del pasado siglo, sus variopintos personajes, su música, el inusual trato al psicoanálisis de Freud, Leonor Watling, Luis Tosar… La película gira en torno a Alma, una mujer moderna que, ayudada por su cuñado, investiga porqué su marido, un psiquiatra llamado León, ha desaparecido de la noche a la mañana. Todo en un tono de comedia fascinante, que deja los dramas profundos de los personajes en un segundo plano, dando más importancia a la relación entre Alma y su cuñado y cómo ésta va cambiando a medida que consiguen más pistas sobre la desaparición de León. Su frescura y ritmo no decaen en ningún momento: capítulo a capítulo, el interés por los personajes y la trama sigue en pie.

No es una película pretenciosa, sino que simplemente se ha propuesto contar una historia de personajes, con el sexo y los sentimientos como telón de fondo (aunque, a veces, sigo dudando si realmente es una historia de sexo y sentimientos que usa unos personajes para poder ser contada).

Frases como <<si los sentimientos fueran plantas, tú serías el jardín botánico>> o <<embarazada pareces un ángel gordo>> se han quedado grabadas para siempre como parte de mis cinema instants, además del momento en que Luis Tosar y Leonor Watling se intercambian la ropa para poder bajar a la fiesta… esas miradas y esos “stop” de cámara me parecen de las mejores escenas que he visto en mucho tiempo, captando la mirada y la tensión sexual entre los personajes.

Siempre que conozco a alguien que no la ha visto, le animo a que la vea, que disfrute de esta historia sencilla tan bien contada y se ría un poco. Para mí es una joya.

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¿BOSQUE DE SOMBRAS? (The Blackwoods, Koldo Serra, 2006)

Por Bruno Teixidor (Productor y responsable gráfico de El Cosmonauta).

Pablo, amigos de Welove, quería escribir un artículo sobre “Bosque de Sombras”. Ya sabéis que la he defendido muchas veces como “película española de la década”, por muchas razones: por su elenco (el choque Gary Oldman – Lluís Homar me heló la sangre desde los primeros fotogramas que compartían), por el subgénero que aborda dentro del “Spanish Gothic” (ése en el que la soleada España recibe a los extranjeros con enajenación, brutalidad rural y psicosis colectiva, no en vano “¿Quién puede matar a un niño?” o “Una vela para el diablo” están entre mis películas de cabecera. Iría más lejos y hablaría de la cercanía simétrica que tiene en algunos puntos con la perversa La Caza de Saura, pero habrá gente que diga que de qué coño hablo. Mejor la comparación, más extendida, con Perros de Paja, aunque para mí se reduzca a un guiño en los títulos de crédito), por su ambientación (que nos coloca en los 70 sin dejar de advertirnos de que podríamos estar perfectamente en la actualidad), por su clímax, auténtico prodigio mezcla de western, Saura (uops!) y efectista ambientación fantastique…

Peeero para hacer un artículo de extensión decente, me tenía que ver la película otra vez. Igual empezaría con una cita de la peli, que suele quedar guai. En ese punto, lo reconozco, escudándome en aquello de “buah, es que le voy a hacer promoción gratis” o “si es que yo no colecciono DVDs”, el primer lugar en el que busqué mis links de rapidshare fué Taringa. Links rotos. Luego en Vagos.es. Again. Luego una búsqueda con descriptores que incluía consas como “inurl:blogspot.com“, por aquello de los MP3Blogs, que nunca fallan, aunque suelen exigirte ir podando pestañas hasta llegar al que tiene los links que funcionan. En fin, me lo bajaré de Megaupload, o de cualquier otro. Lo miré por el lado bueno. Me la veré en un sitio de streaming legal pagando un par de Euros, que hace tiempo que no lo hago y es igual de inmediato. Si pago por Spotify, ¿porqué no? Además, Filmax, su productora, tiene varios. Oh, no está en ninguno. Bueno, yo que sé, hay otras opciones cuando se trata de pago por visionado. Tampoco. La película no estaba en Internet. Bueno, quizá sí, en forma de Torrent o compartido por el eMule, pero no tengo ganas de esperar, yo me la quiero ver hoy. Diosmío… me compraré un DVD en Fnac o el Corte Inglés. Miro en sus webs, aparece una edición básica, sin más extras que el tráiler. Viaje en Metro al centro. No, no lo tienen. Y no saben cuando va a llegar. Voy a abrir la boca para decir algo feo, pero se me anticipan, “recuerda que la página no habla de las existencias que hay en las tiendas”. Joder, además es que es tarde…

Pero, espera… ¿para qué voy a hablar de una película que nadie va a poder ver?

Amos, digo yo.

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LOS OTROS (THE OTHERS, 2001)

Por Carlos Martínez Abarca (Actor protagonista de El Cosmonauta).

Los Otros de Alejandro Amenábar  es mi película favorita de esta década. Reconozco que en estas elecciones no es fácil deslindar entre lo que uno cree que es la mejor película y la que más le gusta, puesto que se puede disfrutar mucho con una  obra y sin embargo reconocer méritos superiores en otra que no despierta, emocionalmente hablando, el mismo entusiasmo. Los Otros está a la cabeza de ambas “categorías”. La primera vez me engañó y me sedujo de principio a fin al tiempo que disfrutaba de su belleza formal, y en los siguientes visionados el disfrute aumentó conociendo (obviamente) el giro final del guión; y precisamente por ello creo encontrarme ante una gran obra, ya que la emoción que se despierta a partir de entonces es más profunda y más humana, al estar más cerca de los motivos y las flaquezas de los personajes cuya peripecia ya conocemos;  te invitan a conocer el “interior”, y su “interior” y en general el de la película es más interesante después de la primera vez.

Creo que Los Otros es más una película sobre el miedo que una película de miedo, y me parece un acierto tan simple como genial acercarnos a ese tema con esa trama, apelando al miedo universal a los fantasmas, dando un giro -sólo aparente- de 180º al tópico luz-oscuridad del terror gótico. El miedo mata o mata una parte de nosotros, el miedo genera violencia… y en Los Otros todos se dan miedo, unos a otros: la madre a sus hijos, la hermana a su hermano, los criados a la madre, los muertos a los vivos y los vivos a los muertos… y nosotros quedamos en medio de esa red hasta darnos cuenta de que ceder a ese miedo o cultivarlo nos deja en la oscuridad, el desconocimiento (de los demás y de uno mismo), la agresividad, la soledad, el abandono… No sé si Amenábar quiso contarnos eso exactamente, pero al menos a mí es la puerta que su película  me abre. Y tengo la sensación de que no pretende señalar “este es el mensaje, admira mi tesis”; sino que, como su propio estilo narrativo, prefiere sugerir y velar.

Admiro la capacidad para unir tema-trama-puesta en escena-narrativa y poética visual, sin la pretensión  de un ejercicio de estilo forzado y brillante, sin temor al uso de recursos clásicos, sin ocultar las fuentes de inspiración  -la más clara “The innocents” de Jack Clayton, y el inevitable paralelismo Deborah Kerr/Nicole Kidman-, y es que desde siempre, grandes maestros se han inspirado (a veces llegando casi al plagio) en sus predecesores; y esto se produce naturalmente sin que por ello los autores y sus obras pierdan personalidad; en el primer Mozart se ve la mano de Beethoven, en Molière la de Plauto e incluso la de su compañero de escuela Cyrano de Bergerac, en los dramaturgos romanos la de sus antecesores griegos… Y es de agradecer que Amenábar no nos diga “yo soy original, el suspense empieza conmigo”.

Y por último, una de las cualidades “invisibles” más fáciles de olvidar al valorar una obra: nada chirría en Los Otros. El guión me parece coherente y sin trampas fáciles (las condiciones creadas en el universo diegético de la obra no son violentadas a conveniencia para deslumbrarnos con giros espectaculares), la dirección artística impecable, la luz de Aguirresarobe, inapelable (aunque confieso ser lego en la materia, me admira la sutileza y el matiz de cada atmósfera, e intuyo un trabajo técnico complejo y exigente); el tempo del montaje exacto y orgánico a la vez; el reparto sencillamente perfecto, en el que siempre cabe destacar -por la enorme dificultad en la selección y dirección- el trabajo de los dos niños, ideales, además, físicamente para los personajes.

Fotografía El cosmonauta exclusiva para welovecinema.es: Aida Paez.

Serie Z patria: una cutreflexión.

Por Miguel Ángel Serralvo.

Hubo quienes aceptaron, hace bastantes años y en otras latitudes, que el cine podría nacer de una historia, una simple idea. Tomar de base lo escrito y ajustar un presupuesto, una producción para llevarla a cabo. Nacieron entonces los estudios, los productores, las compensaciones presupuestarias en pos de sacar adelante el producto y no terminar tragando polvo en el intento. Y, sin embargo, existía gente a rebufo, que no contaba con las ágiles firmas de los ejecutivos, y que podía aspirar, como mucho, a ser los consortes de otra producción mayor en algún autocine dejado de la mano de Dios. Entonces nacía la serie B. Luego llegarían sus señas de identidad, pero la base del movimiento (que si bien se consideraba un tránsito indigno para todo aspirante) sigue vigente: hacer un ejercicio de abstracción respecto al guión, considerar los límites económicos como un acicate creativo y, ante todo, no dejarse llevar por el estigma ignominioso –y falso– que arrastra el concepto.

La serie Z, en esencia, no necesita mucha más definición: tan sólo aceptar la Serie B como Serie A (sea lo que sea eso) haría de un realizador un creador de serie Z, aunque mucho más sujeto a la ojeriza de los que se molestan más en defender la dignidad de su criterio que en tenerlo. El espaldarazo definitivo nació de las inquietudes del dúo Kaufman–Herz, fundadores de la Troma, factoría de auténticos ejercicios de mal gusto y depravación pero, a su vez, de una visceral e intimidatoria libertad creativa. De sus macabramente divertidas películas, plagadas de todas las destrucciones del tabú que uno se podría imaginar (no faltan referencias al retraso mental, a la muerte gratuita, a provocar carcajada por las mayores desgracias), se podría encontrar todo lo que hace de la Serie Z lo que es: bajísimo presupuesto y una carencia absoluta de complejos a la hora de jugar con ello.

¿Desde cuándo podría considerarse Z lo que, a efectos prácticos, cuesta discernir de lo B? Ramón López Bello demostró que podía hacerse algo cachondo por las calles conEspiderman ya no vive aquí (1985), producción de culto entre los que frecuentábamos los fondos de Subterfuge, donde el concepto de parodia chanante tan en boga hoy en día se aplicaba a los superhéroes clásicos dentro del contexto de un Madrid de los ochenta. Los localismos, otro elemento que funciona realmente bien en la Z, forzosamente aplicado por no disponer de otro ante la carencia de producción.

El espíritu de la Troma tiene su mayor representante en la ya clásica La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos (1993), del tristemente desaparecido Toñito Blanco y Ricardo Llovo, donde también se pueden sacar ciertos paralelismos a Mal gusto (Bad Taste, Peter Jackson, 1987) a la hora de usar ingeniosos tiros de cámara simulando grúas o travellings, cuando se carecían completamente de ellos. Con la participación de un Manuel Manquiña en estado de gracia, sus realizadores se dan el gusto de seguir con descaro los patrones de la Troma, incluso aplicando un doblaje sobre el sonido que sería la pesadilla de cualquier crítico bienintencionado.

¿Pero cómo ha repercutido el fenómeno en este país? ¿Existe un equivalente a la Troma ibérico, un punto de inflexión en el que se puedan reunir toda una caterva de realizadores con plena libertades? La respuesta es sencilla: no. Un no con sus reservas, pero no existe en la actualidad nadie en España que ejerza la influencia que Lloyd Kaufman ha dejado en EEUU en cuanto coger una cámara y dejarse las inhibiciones en casa. Si bien la larga influencia de Jess Franco ha provocado una gran cantidad de films bajo su ala (y la mayoría, como en el caso de Kaufman, con él presente) no podría considerarse tanto como Z por el afán elogioso-homenaje de la mayoría de ellas. Ejemplo tenemos con las obras de Pedro Temboury: Karate a muerte en Torremolinos (2003) y Ellos robaron la picha de Hitler (2006), simpáticos ejemplos de economizar en pos de la historia, pero que lamentablemente fallan en tanto que esa misma historia está viciada por el simplismo del homenaje barato. La superficie de la Serie B rascada, la consideración de que lo que hace una buena producción cutre es ser cutre desde lo escrito, lastran ambas películas hasta dejarlas como burdos homenajes de los elementos que la misma Serie B gustaba de bordear. Porque básicamente, una película mala es un juicio: hacer intencionadamente una película mala, una insensatez. Tanto el revival de la sci-fi, lo vintage y la recuperación de los conceptos clásicos de la misma han llevado a pensar que cualquier homenaje, por el simple hecho de serlo, ya adquiere una validez perpetua de cara al público. Que lo cutre, lo malo a propósito, tendrá algún tipo de aceptación solo por serlo.

Con todo, se pueden encontrar en la actualidad ejemplos de auténtica motivación por sacar algo a delante: La furia de Mackenzie (Paco L. Campano, Félix Caña y José Luis Reinoso, 2009): con una producción de dos mil euros, sus realizadores consiguen que el resultado evoque el espíritu de la Z sin ningún complejo a la hora de mostrar con orgullo sus carencias, usarlas con ingenio para que luzcan estupendamente y permitirse el lujo de hasta homenajear a Peckinpah en todo el contexto. Un buen ejemplo de libertad creativa que crece a través de los límites económicos e incluso de crítica. Igualmente, nombres como Ricardo Ribelles y su excesiva y mimada El barón contra los Demonios (2006), una locura barroca, salvaje, barata; en definitiva, una serie Z de ley que tardaría más de diez años para acabar repleta de desmadres evocando a Corben, Frazzeta o Peter Jackson. Un sindiós que choca con otras propuestas como Fernando Project (Naxo Friol, 2001), retrato costumbrista con cierta mentalidad outsider, donde la carencia alimenta el entusiasmo de todos y cada unos de los integrantes de la producción.

En definitiva, no se podría afirmar al 100% que la Z sea una constante en el cine español: sin embargo, diversas iniciativas como la que viene haciendo el festival Peor Imposible en Gijón o la Semana Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Estepona, donde si bien no se dedican de pleno a ello, sí se molestan en otorgar un pequeño espacio a gente de pocos recursos y muchas ganas de aprovecharlos. A quien suscribe le encantaría pensar que la proliferación de lo digital abrirá aún más el campo, sin aspirar a más que narrar historias y no considerar denigrante el hecho de hacerlo sin usarlo de tránsito a aspiraciones mayores: en ese sentido, la aparición de Javi Camino con la ayuda de… ¡su madre! (ya de por sí es Z el concepto) en el panorama cinematográfico resulta reconfortante; descubrir que, a pesar de las loables iniciativas para cambiar el sistema, se puede trabajar al margen de él si se prescinden de innecesarias inhibiciones. La Z no es una moda, no es un movimiento: la Z es una filosofía de hacer las cosas (el propio Lars Von Trier admitió basarse en la Troma para su participación en el Manifiesto Dogma) que no acepta mercadotecnias o corrientes a la que atarse. Y quizás ese sea el problema para que no prospere como concepto por aquí, más allá de que se venda bien.

Y ahí está  el asunto… ¿cómo vender lo que, de base, no quiere ser vendido?

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LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA DE LA DÉCADA PARA ROBERT FIGUERAS

PANZER CHOCOLATE (2011)

Durante los últimos años, se han realizado películas buenísimas en España, y por eso es casi imposible decidir cuál ha sido la mejor de la década (2000–2010). Es tan difícil como seleccionar qué película ganadora de muchos Oscar es mejor. Soy fan tanto de El señor de los anillos (Peter Jackson, 2001–2002–2003) y Titanic (James Cameron, 1997) como de Salvar al soldado Ryan (Saving Private Ryan, Steven Spielberg, 1998), La lista de Schindler (Schlinder´s List, Steven Spielberg, 1993), Juno (Ivan Reitman, 2007), Una mente maravillosa (A Beautiful Mind, Ron Howard, 2001) y un largo etcétera.

En España ha habido ganadoras de muchos premios Goyas, galardones internacionales e incluso Oscar, y al final, con tantas candidatas, todo se traduce a un tema de gustos. Desde mi punto de vista, hay un tipo de película para cada momento, y cada momento tiene su tipo de película. Por eso, cuando estoy solo me gusta el terror, y cuando estoy con mi mujer, nos reímos con las comedias románticas; de la misma manera que a primera hora de la tarde me gusta la acción y el western, y por la noche el suspense.

A mi me gustaría ser director de cine. Para lograrlo, confío plenamente en la revolución digital, tecnológica e Internet para abrirme camino en una industria con unas barreras de entrada muy importantes. Por eso, cuando comencé en la industria en 2003, una de las primeras cosas que hice fue montar Filmutea (enlazar con www.filmutea.com) –una red social para los cineastas indies de España, que actualmente cuenta con más de 34,000 profesionales registrados – con el objetivo de hacer contactos y mejorar los procesos de colaboración.

Además, creo que Internet se está convirtiendo en la séptima major –estudio de cine verticalmente integrado– en el que cobran mucha relevancia las comunidades de seguidores formadas desde el inicio de los proyectos, así como los conceptos de long tail, wisdom of crowds y el crowd-funding, entre otros. Por eso, para este artículo, prefiero centrarme en una película que todavía no se ha estrenado, pero que ya se está en desarrollo: Panzer Chocolate (enlazar con www.panzerchocolate.com), que tenemos previsto rodar y estrenar en 2010.

Sinopsis: “Un grupo de jóvenes arqueólogos es brutalmente masacrado cuando descubren el secreto más oscuro de los nazis”.

Lo interesante de Panzer Chocolate es que es una película Cross-Media, en la que los espectadores podrán disfrutar, si participan, de una experiencia mucho más completa que simplemente estar sentados durante dos horas en una sala oscura. Pasarán de ser espectadores pasivos a ser activos.

Se trata de una película de 90 minutos de duración, complementada mediante una motion comic online con elementos de realidad aumentada para móvil, un videojuego para la web, y todo englobado dentro de un ARG (juego de realidad alternativa, como un juego de rol). Además, seguramente será la primera película en España, en la que se podrá interactuar por móvil desde las salas de cine o las salas de estar, llamando por ejemplo a uno de los personajes en algún momento del visionado de la misma.

El proyecto Panzer Chocolate consiste en un formato de formatos, en el que varias narrativas separadas forman parte de una narrativa conjunta. Para los espectadores que lo deseen, la experiencia comenzará en el ARG, que durará unas 6 semanas más o menos, y en el que se entremezclarán el mundo real e Internet, y que mediante una serie de puzzles y pistas por descubrir, permitirá acceder al motion comic, la realidad aumentada y el videojuego; continuando y terminando, y esto también es novedoso, después del visionado de la película. En cualquier caso, la película tendrá sentido por si sola, y todos aquellos espectadores que lo deseen, podrán dejar a un lado el Cross-Media, y centrarse sólo en las dos horas de visionado.

En Panzer Chocolate, cada uno de los elementos Cross-Media tiene una doble intención: extender la historia y servir de promoción. Por lo tanto, no se trata de que el ARG, elmotion comic, la realidad aumentada y el videojuego cuenten lo mismo que la película, sino de que cuenten algo más, que añadan sustancia a la historia, haciéndola más atractiva y completa. La gente joven de hoy en día pasa muchísimo más tiempo utilizando los móviles, haciendo amistades en las redes sociales, navegando por Internet y jugando en las videoconsolas que en las salas de cine. Por esa razón, Panzer Chocolate (como los demás proyectos Cross-Media en general), es una película pensada para ser consumida por esta audiencia, cada vez más fragmentada y joven, de entre 17 y 40 años; los mayores usuarios de todas las revoluciones que están sucediendo a nuestro alrededor.

Con más de 20. 000 largometrajes al año en todo el mundo, además de los millones de videos en Youtube y portales similares, todos los cineastas nos enfrentamos al problema de encontrar una audiencia para nuestras producciones. Aquí es donde juega un papel fundamental también el Cross-Media. Aunque no es un concepto nuevo, está teniendo mucha relevancia últimamente, porque este tipo de producciones se adapta muy bien a las nuevas formas de interactuación social, y están permitiendo a los cineastas que las ponen en práctica, diferenciarse y encontrar su propio espacio. Como resultado, en EE.UU. los proyectos Cross-Media son considerados junto al 3-D, como el futuro del entretenimiento.

Es por esta razón que nosotros apostamos por ello para nuestro primer largometraje. Además, de momento sólo hay contabilizados unos 300 proyectos de película de este tipo a nivel global, ninguno en España, donde los cambios tanto tecnológicos como digitales, y su impacto en la industria cinematográfica, acaban llegando desde mi punto de vista, con una pequeña diferencia temporal respecto a los mercados anglosajones.

Aunque Panzer Chocolate es un proyecto de bajo presupuesto, tiene un espíritu no sólo comercial, sino también experimental, ya que además de extender la historia a otros formatos, sigue unas estrategias de financiación, promoción y distribución innovadoras, mediante las cuales intentaremos encontrar un modelo sostenible y replicable para los cineastas, alternativo o mixto con el más tradicional.

Puedes seguir la evolución del proyecto en: www.panzerchocolate.com (enlazar con www.panzerchocolate.com). Si te interesan los proyectos Cross-Media en general, o quieres que hablemos del tuyo: www.crossmediaproject.org (enlazar con www.crossmediaproject.org).

WE LOVE CINEMA

Por Laszlo Hace

WE LOVE CINEMA

Por Rubén Sanchez.

UNA ILUSIÓN NECESARIA : CONSIDERACIONES SOBRE LA IDENTIDAD DEL CINE ESPAÑOL

Por Aurélien Le Genissel.

Muchas cosas han cambiado con la llegada del nuevo milenio. Si quisiéramos utilizar una metáfora (bastante) desgastada y cursi, podríamos decir que el final del siglo XX fue la adolescencia del cine español. Una época atractiva y desenfadada en la que la frescura y diversidad de las producciones permitió que el resto de los países se fijasen en el séptimo arte hecho en España. Esta última década podría verse entonces como su entrada en el mundo adulto, con el reconocimiento mundial de varios artistas (Almodóvar, Amenábar, Bardem…), los buenos resultados de algunas obras en el extranjero y, de manera general, una gran imagen de la creación española.

¿Quiere decir eso que “el cine español” está madurando? Seguramente. Pero aún le queda un paso decisivo en su crecimiento: asentarse. Y, para ello, sería bueno que supiera cuáles son sus objetivos, sus planteamientos, sus combates…O, dicho de otra forma, ¿qué queremos que se entienda a partir de ahora al hablar de “una película española”? Una cuestión semántica pero que, como todas, tiene un impacto en la industria del séptimo arte.

Basta con fijarse en dos ejemplos paradigmáticos: el cine americano y el francés. El primero tiene el inmenso poder de engullirlo todo y de llamar “película americana” a todo lo hecho con dinero suyo. Aunque sea una película realizada por un director extranjero, con un cásting internacional y sin pisar suelo norteamericano. Una “peli americana” ya se ha convertido casi en un adjetivo que califica un cierto tipo de cine visualmente definido y con un guión algo previsible. Puede resultar criticable, pero es eficiente. Basta con echarle un ojo a la surrealista lista de “nuevos directores americanos” (!) que publicaron los franceses de Cahiers du Cinéma hace un par de años para darse cuenta de la amplitud del desastre. Casi no sorprende encontrar a gente como  Alejandro Amenábar o Guillermo del Toro por allí. Seguramente sea una de las consecuencias de eso que se llama “triunfar en Hollywood”.

Algo parecido, aunque más sutil, pasa con Francia cuyo Centre National de la Cinématographie (CNC) (con la ayuda de varias distribuidoras privadas) resulta una perfecta máquina apropiacionista. Financiando obras más humildes pero de amplio calado crítico y simbólico (Haneke o los hermanos Dardenne) consigue crear una sinergia en la que estas obras (o creadores) casi se consideran franceses. Algo he oído al ir por allí de que Picasso, Brel o Jean Seberg eran franceses… Por poner algún (mínimo) ejemplo, podríamos hablar de las influencias francófilas de los dos últimos trabajos de Nobuhiro Suwa o de ¿Qué hora es? (o Visage, 2009) de Tsai Ming-liang. Por no hablar del trabajo “pedagógico” del CNC por crear un cierto público que pueda ser sensible a un cine diferente. Obras tan diversas y acertadas como Ploy (Pen-Ek Ratanaruang, 2007), Of Time and the City (Terence Davies, 2008) o El cant dels ocells (Albert Serra, 2008) han recibido ayudas, en el plan de “ayudas selectivas a la distribución” de esta institución, para encontrar su lugar en la cartelera francesa. Un trabajo que el cine español debería hacer si no quiere que Albert Serra o Marc Recha dejen de ser “profetas en su tierra”, como suele decirse. No vendría mal centrarse en eso en lugar de ponerse a discutir sobre en qué lengua deben subtitularse las películas o cómo impedir que alguien pueda ver Rois et reine (Arnaud Desplechin, 2004), Hunger (Steve McQueen, 2008) o Thirst (Bakjwi, Park Chan-wook, 2009) por Internet cuando no hay rastro de ellas en nuestras carteleras…

Por ello, la industria española debería tratar de hacerse una idea de lo que es una película española. ¿Lo es Ágora (Agora, Alejandro Amenábar, 2009) con su reparto internacional? ¿Lo es El laberinto del fauno (2006), dirigida por del Toro? ¿Lo es la última propuesta de Jarmusch rodada casi íntegramente en España? ¿Lo es La huérfana (Orphan, Jaume Collet-Serra, 2009), dirigida por un catalán pero producida en Estados Unidos? O, mejor dicho, ¿queremos que lo sean? De una buena definición de lo que la industria española debe reivindicar como suyo debe salir una “cierta idea del cine español” por parafrasear a F. Truffaut. Y tener las ideas claras siempre sirve. Un ejemplo es el poco énfasis que se le dio, por ejemplo, a Los límites del control (The Limits of Control, Jim Jarmusch, 2009), una película que podríamos considerar como española en tanto que la aridez y excentricidad de las localizaciones forman parte de las dudas existenciales del protagonista. En cierto modo, moldean al personaje. Todo lo contrario de lo que pasa en el panfleto turístico de Woody Allen que, de ninguna manera, refleja nada del espíritu de Barcelona. Si es que algo así como el espíritu de una ciudad existe…

Hay (y debe haber) una infinidad de maneras diferentes de definir el cine español. Y, evidentemente, como toda industria, será un monstruo polimorfo y libre. Pero siempre es bueno ser conscientes de en qué se está convirtiendo y de lo que tendría que ser. Encontrar un semblante de identidad. Envejecer, con todo lo que ello conlleva de aburrido y burocrático pero, por ahora, necesario. Por ello, aunque resulte algo pesado y empalagoso, tiene sentido que Planet 51 (Jorge Blanco, Javier Abad y Marcos Martínez, 2009) insista en ser una “peli de animación española”. También tiene sentido intentar reapropiarse la creatividad individual que ha tenido que exiliarse para poder existir (Jaume Collet-Serra o Luis Berdejo) y afirmar que La huérfana puede ser una obra española. Lo mismo pasa con la adaptación de obras nacionales -Abre los ojos (Alejandro Amenábar, 2007)/Vanilla Sky (Cameron Crowe, 2001)- o el ensalzamiento de un cine contemporáneo ya clásico -Spanish Movie (Javier Ruiz Caldera, 2009)-. Existe, por ejemplo, una gran proyección del cine de terror/suspense español. ¿Por qué no puede pasar lo mismo con las comedias si conseguimos vender al extranjero la infumable serie Escenas de Matrimonio (a la francesa M6)?

Suena raro hablar de identidad del arte…pero en esas estamos. Porque Francia, Estados Unidos, Corea del Sur o Italia no dudan en hacerlo. Algunos tienen el dinero, otros la tradición, los demás el exotismo (todos el genio). El cine español tiene el talento. Pero, si no quiere convertirse en una cantera de individualidades en la que los demás vengan a pescar, tiene que afirmarse como tal. El tiempo para demostrar la valía del cine de aquí ya ha pasado. Ahora hay que actuar sabiendo que es una evidencia. Presentarse como un grande, creerse un grande. Es decir, no tener nada que demostrar. <<Ningún ganador cree en el azar>>, decía Nietzsche…

WE LOVE CINEMA

Por Work in Progress.

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Welovecinema.es comienza a partir de hoy una serie de dos entrevistas a nuestros invitados del “Nuevo cine español del milenio”, Riot cinema Collective. Hoy “La idea de El cosmonauta”.

LA CANTERA

Elegir una película representativa de una década es un reto difícil. Mucho más si tenemos en cuenta que en el concepto “película” caben todo tipo de formatos: largometrajes, mediometrajes y cortometrajes. Sin embargo, los trabajos de una duración diferente a la que actualmente es aceptada para su explotación en salas comerciales (largometrajes), parecen quedarse en los márgenes de encuestas y opiniones, fundamentalmente porque sólo un público minoritario accede a estas películas “cortas” a través de su exhibición en festivales, muestras, páginas web y eventos cinematográficos diversos.

Sin embargo y, aunque este dato no sea especialmente conocido por el público general, entre el año 2000 y el 2009 ha habido en España una importante producción de cortometrajes. Manejando únicamente las cifras de las películas calificadas por el Ministerio de Cultura (inferior a la cantidad real porque no todos los cortometrajes realizados se presentan a la calificación oficial y, además, el desembarco del vídeo digital ha tenido como consecuencia que la producción aumente progresivamente), nos encontramos con los datos siguientes:

2000 – 109 cortometrajes
2001 – 168 cortometrajes
2002 – 171 cortometrajes
2003 – 137 cortometrajes
2004 – 184 cortometrajes
2005 – 165 cortometrajes
2006 – 214 cortometrajes
2007 – 155 cortometrajes
2008 – 211 cortometrajes
2009 – 239 cortometrajes

En total, en el período 2000-2009 han sido calificados por el Ministerio de Cultura español 1.753 cortometrajes. La cifra es impactante y, ya sólo este dato meramente cuantitativo, pone de relieve la importancia que tiene el cortometraje en el panorama complejo del cine y del audiovisual español. Estos 1.753 cortometrajes han utilizado en mayor o menor medida, dependiendo de las características del proyecto, los servicios de empresas vinculadas a la producción o postproducción. Probablemente esto suponga un porcentaje pequeño de los ingresos de estas empresas, pero es una aportación y, además, aunque el porcentaje sea bajo, está en crecimiento. Este dato no se comenta casi nunca y es interesante. Pero más importante que este factor es el papel que juega el cortometraje en la industria, facilitando y ampliando la experiencia y la formación de nuevos técnicos, actores y directores. Sólo por esta cuestión, por la posibilidad que ofrece el cortometraje para que puedan trabajar, experimentar y encontrarse personas que están iniciando o desarrollando su trayectoria profesional, merecería una consideración y un apoyo mayor por parte de todos los agentes implicados en el sector. Y no es el único factor a tener en cuenta, como intentaremos esbozar a continuación.

La difícil pregunta lanzada por We Love Cinema acerca de la mejor película de la década, me ha llevado a reflexionar y recordar la evolución del cortometraje durante estos años. Repasando mentalmente muchas películas, de cualquier metraje, hay una clara y lógica correlación entre el cortometraje -que, por supuesto, es en sí mismo un género, pero que también, como acabamos de apuntar, funciona como una cantera de personal técnico y artístico para la industria- y ejemplos interesantes y muy diversos de largometrajes. Algunos trabajos importantes del cine de corto formato han anunciado películas interesantes de larga duración de directores noveles. Es una correlación lógica que la industria y las entidades que apoyan al cine y al audiovisual deberían analizar y tener en cuenta a la hora de trabajar de una manera más profunda todas las líneas de apoyo a la cinematografía.

Estos días nos hemos visto gratamente sorprendidos por el éxito del largometraje Buried, de Rodrigo Cortés, en el Festival de Sundance. Según parece, los espectadores han soportado colas de horas bajo la nieve para ver esta película. Las críticas han sido excelentes, como en general también lo fueron las de Concursante(2007), su anterior largometraje. Recordemos que Cortés ganó muchísimos premios con sus cortometrajes Yul(1998) y 15 días (2000), que ya apuntaban elementos de estilo de sus posteriores largometrajes.

Retrocediendo en el tiempo, en 2009, encontramos espléndidos ejemplos de largometrajes dirigidos por autores que ya destacaron en el mundo del cortometraje. Sus formas de acercarse a la dirección son muy distintas, ven el cine desde distintos géneros y a partir de  supuestos formales muy diversos. Han aportado mucho al cine “en corto” y han empezado a mostrar que pueden hacerlo en el audiovisual de cualquier duración.

Quizás el nombre que se ha hecho más popular entre los directores que, teniendo una trayectoria en el mundo del cortometraje, han empezado a dirigir largometrajes en esta década, es el de Daniel Sánchez Arévalo -Profilaxis (2003), Exprés (2003), La culpa del alpinista (2004), Física II (2004)-. Su películaAzuloscurocasinegro (2006), que tuvo la peculiaridad de utilizar como base de su guión el argumento deFísica II, inició su explotación comercial tras ganar el premio del Festival de Málaga. Sánchez Arévalo siempre ha declarado que el no abandonará la dirección de cortometrajes y cumplió su palabra en 2007, rodandoTraumalogía. A continuación, ha vuelto al largometraje en 2009 con la película Gordos, que ha obtenido 8 nominaciones a los Goya 2010. Actualmente, prepara Primos, una nueva comedia que empezará a rodar en mayo de 2010.

Javier Rebollo, sólido director de cortometrajes -En medio de ninguna parte, (1997), ¡Hola, desconocido!(1998), El equipaje abierto (1999), En camas separadas (2002)-, siempre ha reivindicado el cortometraje como género mayor: <<no lo considero trampolín ni salto a nada, sino un sitio del que ir y venir como otros directores europeos hacen de manera saludable como Agnès Varda o Chantal Akerman>>. En 2009 obtuvo la Concha de Plata al Mejor Director del Festival de San Sebastián por La mujer sin piano, su segundo largometraje tras Lo que sé de Lola (2006), que también consiguió el premio a la Mejor Película en el AFI Festival de Los Ángeles, uno de los certámenes de cine más importantes de Estados Unidos. Como no podía ser de otra manera, en los largometrajes de Rebollo seguimos apreciando el estilo que caracterizó sus cortometrajes: puesta en escena despojada y escasez de diálogos, prescindiendo de elementos explicativos superfluos.

En San Sebastián 2009 también tuvo buena acogida la película Yo, también, una apuesta de los directores Álvaro Pastor y Antonio Naharro, premiando el trabajo de los actores protagonistas, Lola Dueñas y Pablo Pineda. La película se acerca desde nuevas perspectivas al mundo del síndrome de Down, rompiendo prejuicios. Los directores ya habían abordado este tema anteriormente en su cortometraje Uno más, uno menos (2002). Los dardos del amor (1998) e Invulnerable ya habían mostrado el trabajo profundo de los directores, especialmente en la dirección de actores.

Un director/guionista que ha destacado en el mundo del cortometraje por un humor ácido y personal y por la brillantez de sus diálogos, es David Planell -Carisma (2003), Ponys (2005), Banal (2006)-. También ha llevado en 2009 a las pantallas su primer largometraje, La vergüenza, una producción ajustada -nada difícil para él teniendo en cuenta los elementos con los que hizo sus cortometrajes- que nos transmite el drama de una familia en un contexto de crítica de la hipocresía social y que ganó el premio a la Mejor Película del Festival de Málaga.

Gary Piquer recorrió en 2003 Trece kilómetros bajo la lluvia de la mano de Álvaro Brechner -también director de los cortos Sofía (2005) y Segundo aniversario (2007)- y en 2009 nos ha sorprendido con una brillante interpretación en Mal día para pescar, primer largometraje de Brechner que, como muchas de las películas que vamos a citar, no ha tenido la promoción que merecía, ni ha llegado a un número de espectadores que tenga correlación con su calidad.

Guillermo Toledo, Blanca Romero y Tristán Ulloa también emprenden un viaje en After (2009), en este caso al corazón de la noche, desde la soledad y la insatisfacción. Este es el tercer largometraje de Alberto Rodríguez tras el éxito de El traje (2002) y 7 vírgenes (2005). Recordemos que antes había dirigido El factor Pilgrim (2000) junto a Santi Amodeo, también compañero de fatigas de sus cortos -Bancos (1999)-. Por su parte, Amodeo también ha realizado en solitario dos largometrajes interesantes, Astronautas (2003) y Cabeza de perro (2006).

La comedia ha tenido un buen exponente en 2009 con Pagafantas, dirigida por Borja Cobeaga, una película que nos transmite el especial sentido del humor que el director ya nos había dado a conocer en su desternillante La primera vez (2001) y, también, en Éramos pocos (2005), cortometraje que, recordemos, estuvo nominado a los Oscar en la categoría de Mejor Cortometraje de Ficción en su 79ª edición en 2007. Durante esta década también han destacado en este género Inés París y Daniela Fejerman, que dirigieron en 2002 A mi madre le gustan las mujeres y en 2005 Semen (una historia de amor). Su humor ya se manifestaba en los cortometrajes que rodaron anteriormente: A mí quien me manda meterme en esto (1997) y Vamos a dejarlo (1999).

Tres días con la familia es el primer largometraje de Mar Coll, quien con tan sólo un cortometraje anterior en su currículo -La última polaroid, proyecto de fin de carrera en la ESCAC en 2004-, ha encontrado con este drama familiar un lugar favorable en la crítica y en los festivales. Obtuvo en 2009 la Biznaga de Plata en el Festival de Málaga y ha sido candidata al Goya a la Mejor Dirección Novel 2010. Esta película es una producción de Escándalo Films que ya apostó en 2007 por la directora Roser Aguilar, autora de Lo mejor de mí, Leopardo de Oro a la mejor directora en el Festival Internacional de Locarno. Roser había dirigido antes el cortometraje Cuando te encontré (1999), también concebido como práctica de la ESCAC.

En 2009 Javier Fesser consiguió seis Premios Goya, entre ellos el de Mejor Película y Mejor Dirección con su película Camino, un drama que muestra su versatilidad como director después de recorrer todo un “camino” desde sus cortometrajes -Aquel ritmillo (1994), El secdleto de la tlompeta (1995) y Binta y la gran idea, que formó parte del proyecto En el mundo a cada rato (2004) capitaneado por el productor José Manuel Serrano, siempre promoviendo películas de corte social-, hasta sus largometrajes El milagro de P.Tinto (1998) y La gran aventura de Mortadelo y Filemón (2003), grandes éxitos de taquilla.

Casual Day, un drama que ahonda en aspectos del mundo laboral utilizando como pretexto una práctica empresarial importada de Estados Unidos, ha sido la primera incursión de Max Lemcke en el mundo del largometraje. Con esta película ha obtenido los principales premios de 2009 del Círculo de Escritores Cinematográficos, después de su trayectoria en el mundo del cortometraje -Pequeñas historias entre ventanas y teléfonos (2000), Paleópolis (1999), La vida imposible (1996), Todos os llamáis Mohamed (1997),Mi última compañera (1991)-.

En 2008 vivimos el gran éxito de José Antonio Bayona, ex-alumno de la ESCAC que con El orfanato rompe las previsiones de taquilla (4.420.085 espectadores) y nos sorprende consiguiendo siete estatuillas de los Goya, entre ellas las de Mejor Director Novel y Mejor Guión Original. Anteriormente había rodado dos cortometrajesMis vacaciones (1999) y El hombre esponja (2002), en los que explora en tono de comedia y de drama el mundo de la niñez. También un niño es el protagonista de su primer largometraje, en este caso en un tono fantástico.

También 2008 fue un buen año para Félix Viscarret que consiguió ganar el Goya al Mejor Guión Adaptado por su largometraje Bajo las estrellas, por el que también Alberto San Juan obtuvo el Goya al Mejor Actor. La película tuvo otras cinco nominaciones, incluida la de Mejor Director Novel. En años anteriores Félix había destacado con sus cortometrajes Los que sueñan despiertos (2005), El álbum blanco (2004) y Canciones de invierno (2004), historias en las que también se puede comprobar la soltura y buen hacer de Viscarret como guionista.

Retomando nombres que han realizado largometrajes después de trabajar en el cortometraje también en 2008 encontramos, entre otros, a David Ulloa y Tristán Ulloa (realizaron Ciclo en 2002) que lanzan un difícil drama familiar, Pudor, que resuelven con buen pulso. También a Juan Vicente Córdoba que nos llevó con su documental Flores de Luna a conocer los orígenes de un barrio, Entrevías, que ya había sido escenario de su cortometraje más premiado -Entre vías (1995)- y que también había sido una localización destacada de su interesante largometraje Aunque tú no lo sepas (2000), adaptación del relato de Almudena Grandes El lenguaje de los balcones.

Una tendencia general de la década ha sido la apertura del cine español que amplía sus fronteras de géneros, influencias y temas. Una buena muestra de ello es la película Los cronocrímenes (2007). Nacho Vigalondo que consiguió la nominación al Oscar en 2005 con el cortometraje 7.35 de la mañana, intenta con esta historia de viajes en el tiempo, volcar el talento que ha demostrado en el mundo del cortometraje, al que también pertenece su película Choque (2005).

El terror también muestra esta apertura a la producción de películas de género del cine español de la década. Quizás [REC], de Jaume Balagueró y Paco Plaza, haya sido la punta de lanza de esta tendencia, alcanzando 1.428.468 espectadores. Pero no olvidemos a destacados cortometrajistas, como Koldo Serra que logra dirigir el largometraje Bosque de sombras en 2006, después del éxito de Amor de madre (1999) y El tren de la bruja (2003) y de colaboraciones en los trabajos de amigos como Nacho Vigalondo.

En 2005 Chema de la Peña -El negocio es el negocio (1994), Lourdes de segunda mano (1995)- y Gabriel Velázquez -Parabellum (1998), London Calling (2000), Soldaditos de latón (2001)- sorprenden con Sud Express, una película de ficción con un interesante tono documental y con actores no profesionales en su reparto. El título quizás más emblemático de los dirigidos hasta ahora por Chema y Gabriel.

Manuel Martín Cuenca -Hombres sin mujeres (1999), Nadie, un cuento de invierno (2001)-
es otro nombre interesante de director nacido al largometraje en esta década. Cambiando de registro sin problemas entre la ficción y el documental, Martín Cuenca nos muestra su buen hacer en La flaqueza del bolchevique (2003) y continúa su trayectoria con Malas temporadas (2005) y, últimamente, con un documental hecho mano a mano con José Luis López Linares: Últimos testigos (2008).

También estos años hemos visto cómo nombres asentados de la industria, como la directora Icíar Bollaín, han realizado cortos que luego han sido la base de alguno de sus largometrajes. Icíar realizó Amores que matan (2000), en el que trató el tema de las terapias para hombres maltratadores, en el que reincidiría en su reconocida película Te doy mis ojos (2003). Otro caso es el de Mateo Gil, coguionista de las películas de Amenábar que ha vuelto al cortometraje con Di me que yo (2009), varios años después de su primer largometraje, Nadie conoce a nadie (1999), y tras el destacado éxito que tuvo años atrás su cortoAllanamiento de morada (1998).

Al comienzo de la década nos encontramos con nombres que nos han regalado buen cine estos años. 2001 fue el año de El Bola, película dirigida por Achero Mañas que ganó cuatro Premios Goya, entre ellos el de Mejor Dirección Novel y Mejor Película. Este éxito tenía buenos antecedentes, los cortometrajes Cazadores(1997), Premio Goya Mejor Cortometraje de Ficción en 1998, y Paraísos artificiales (1998). Achero dirigió en 2003 el largometraje Noviembre y en 2010 va a rodar Todo lo que tú quieras. Por su parte, Juan Carlos Fresnadillo se hizo popular cuando su cortometraje Esposados fue nominado al Oscar al Mejor Cortometraje de Ficción en 1996. Después dirigió Intacto en 2001, película con la que ganó el Premio Goya al Mejor Director Novel y en estos años ha estado trabajando en Estados Unidos, donde ha filmado 28 semanas después (28 Weeks Later, 2007), un largometraje de terror que muestra el buen oficio del director. En 2010 se lanzará su largometraje Bioshock, basado en el argumento del videojuego.

Los nombres anteriores constituyen un listado incompleto de directores que en esta década han dado pasos entre el cortometraje y el largometraje  (Roberto Santiago, Álex Pastor, Luis Berdejo, Chiqui Carabante, Ramón Salazar, Rafa Russo, Irene Cardona y Gabe Ibáñez son algunos otros directores).

A todos estos nombres (los especificados y los que podéis añadir los lectores) se sumarán pronto los de varios realizadores que también han tenido una interesante trayectoria en el mundo del cortometraje. Oskar Santos con Torre (2000) ya avanzaba su interés por el thriller psicológico. El Festival Internacional de Berlín en 2010 será testigo del estreno de El mal ajeno, su primer largometraje, producido por Alejandro Amenábar y con guión de Daniel Sánchez Arévalo. Eduardo Chapero-Jackson, que siempre nos ha sorprendido con la esmerada puesta en escena de todos sus cortometrajes -Contracuerpo (2006), Alumbramiento (2007), The End (2009)-, está preparando Verbo, que será su ópera prima.

Tres antiguos alumnos de la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid (ECAM) van a llevar sus primeros largometrajes a las pantallas en 2010. Se trata de José Manuel Carrasco, quien destacó con su cortometraje de fin de carrera Padam, con el que ganó múltiples premios, como también lo ha hecho con sus dos siguientes trabajos: Consulta 16 (2008) y Pulsiones (2009). En 2010 se estrenará su largometraje El diario de Carlota. Rodrigo Rodero -Kundas (2003), Chatarra (2004), Seis o siete veranos (2006)- estrenará El idioma imposible, una adaptación de la novela homónima de Francisco Casavella, un retrato de la Barcelona marginal de los años ochenta en el que ha firmado el guión junto a Michel Gaztambide. También fue alumno de la ECAM el montador David Pinillos, que dirigió en 2006 el cortometraje Dolly y que ha rodado recientemente el largometraje Bon Appetit, una coproducción española, italiana, suiza y alemana.

Juana Macías trabaja la postproducción de su primer largometraje de ficción, Planes para mañana. Una película que narra historias cotidianas de la vida de cuatro mujeres. Su trayectoria en el mundo del cortometraje comenzó con el Premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción por Siete cafés por semana(1999). Después, filmó La Yaya (2002), Otra vida (2003) y Frozen Souls (2006).

Enrique Gato y su productor Nicolás Matji -Tadeo Jones (2004), Tadeo Jones y el sótano maldito (2007), ambos ganadores del Goya al Mejor Cortometraje de Animación- están produciendo un largometraje con más aventuras de Tadeo Jones. Realmente, la animación y el documental merecerían un análisis independiente y detallado. Sólo queremos aquí destacar el importante aumento de la producción de cortometraje documental y la diversidad de técnicas y estilos de la animación en esta década.

Otros directores y directoras que también han destacado en el mundo del cortometraje y se encuentran preparando proyectos de largometrajes o están en puertas de poder hacerlo. Se trata de nombres como:

- Fernando Franco  -Mensajes de voz, Tu (a)mor (2009)-.

- Arturo Ruiz -Expediente WC (2002), Siete (2004), Paseo (2007).

- Toni Bestard -Die Grüne dattel (o cómo un dátil acabó con 25 años de feliz matrimonio) (2001), Sólo por un tango (2001), Gatos (2002), El viaje (2002), Equipajes (2006), El anónimo caronte (2007)-, que ha colaborado con Arturo Ruiz, guionista de El viaje y Equipajes.

- Isabel de Ocampo -Cría zapatillas y te sacarán los cordones (2000), Tus labios (2002), Espermazotoides(2005), Miente (2008, premio Goya mejor cortometraje de ficción), En la línea azul (In the Blue Line, 2008).

- Jorge Torregrosa -Mujeres en un tren (2000), Desiré (2001), Manchas (2004), Verano o los     defectos de Andrés (2006)-.

- Esteban Crespo -Siempre quise trabajar en una fábrica (2005), Amar (2006), Fin (2006), Lala (2009).

- Elías León Siminiani -Dos más (2001), Archipiélago (2003), Ludoterapia (2007), El tránsito-.

- Vicente Villanueva -El futuro está en el porno (2006), Mariquita con perro (2007), Heterosexuales y casados (2008), La rubia de Pinos Puente (2009)-.

- Xavi Sala -60 años (2003), Maleteros (2003), Los padres (2004), Hiyab (2005), En el instituto (2006), La parabólica (2006)-.

- Ione Hernández -Aizea, la ciudad del viento (Aizea: City of the Wind, 2001), Juego (2006), El palacio de la luna (2008)-.

- Lucas Figueroa -Boletos, por favor (2006), 24… eh (ouch!) (2006), Porque hay cosas que nunca se olvidan(2007)-.

- Joan Carlos Martorell -Microfísica (2008), Incondicional (2009)-.

- David Martín de los Santos -Llévame a otro sitio (2001), En el hoyo (2006)-.

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LA REINVENCIÓN DE LA REALIDAD EN JAIME ROSALES

Por Alberto Haj–Saleh

Cualquiera que haya sufrido un accidente con el coche, o haya recibido un puñetazo inesperado, o se haya caído por las escaleras, sabrá que la sensación de extrañamiento ante un suceso que se sale tanto de nuestros esquemas cotidianos es realmente peculiar. La frase que más se repite en estos casos es <<era como si estuviese en una película>>. Es decir, de algún modo inconsciente nuestro cerebro trata de alejarse de nosotros mismos para lograr ver y comprender lo que está ocurriendo con un mínimo de perspectiva.

Las tres películas que componen la todavía corta filmografía del cineasta Jaime Rosales (Barcelona, 1970) –Las horas del día (2003), La soledad(2007) y Tiro en la cabeza (2008)– son, en mayor o menor medida, un ejercicio consciente de darle la vuelta a todo lo dicho en el párrafo anterior, es decir, de narrar la cotidianidad rompiendo los códigos y acuerdos preestablecidos entre espectador y película. El resultado es el mismo: el extrañamiento, la certeza de que lo que se está viendo necesita de un ejercicio de perspectiva para poder comprenderlo.

Déjenme que intente explicar este pequeño galimatías: decía William Goldman en uno de sus libros autobiográficos que alguien que conocía quiso escribir una película sobre los bomberos de una localidad norteamericana. Como quería el mayor realismo posible, pasó semanas con ellos tomando notas para poder reproducir al pie de la letra las conversaciones y los modos de hablar de aquellos hombretones (en su mayoría) que apagaban fuegos y sacaban gente de los escombros. El resultado fue un desastre: allí no había un guión, allí había realidad, y la realidad puesta en la pantalla produce el monstruo del no reconocimiento. Aunque aquello sea real, no lo reconocemos.

Por eso, Rosales no trata de filmar la realidad, como muchas veces se ha sugerido desde la crítica, sino que lo que hace es construir un discurso hiperrealista, es decir, la “verdad” contada también es una verdad creada: una realidad encuadrada y delimitada por muchas fronteras que obligan al espectador a mirar de un modo muy concreto. Los límites los crea a través de la propia narración, pero sobre todo a través de su propia técnica al filmar. ¿Qué otra cosa es la famosa polivisión que divide en dos un tercio de La soledad sino un dibujo nítido de esas fronteras? ¿Qué es la abundante proliferación de planos fijos de Alex Brendemühl sin los correspondientes e intuitivos contraplanos de sus acompañantes en Las horas del día sino una orden explícita de atención a un punto concreto de la acción? ¿Qué es, en definitiva, el punto de vista absolutamente espía de Tiro en la cabeza sino un sesgo preciso de la realidad que intenta contarnos el director?

Si hiciéramos un análisis riguroso de la veracidad (que no verosimilitud, ésta si la cumple con creces) de las dos primeras películas de Jaime Rosales, encontraríamos con una cierta rapidez lagunas de coherencia que desmontarían el conjunto. Dos ejemplos a vuelapluma: el Abel asesino de Las horas del día no se toma la más mínima molestia en limpiar huellas u ocultar pruebas; el atentado aislado en un autobús de línea regular de Madrid, no siendo algo imposible, sí es cuanto menos improbable. Pero lo cierto es que da lo mismo: dentro del juego narrativo que nos propone el director, el espectador (generalmente) acepta sin demasiados problemas esos hechos insólitos en beneficio del conjunto de la película.

Donde se debilita, sin embargo, ese pacto narrativo es precisamente en el uso de los diálogos. El guión de Rosales y Enric Rufas en estas dos primeras películas trata de reproducir la intrascendencia general de las conversaciones rutinarias de personas sin nada especialmente extraordinario en sus vidas. Pero esa inanidad de la gran mayoría de las palabras que decimos cada día resuenan impostadas en una pantalla de cine, incluso memorizadas algunas veces (por ejemplo, cuando en La soledad conversan sobre si conviene más un novio guapo o uno bueno, y uno de los personajes se arranca con una anécdota del pasado que narra con solemnidad de orador de iglesia). Volvemos entonces al punto de partida: cuanto más trata de aproximarse a la realidad desnuda, menos funcionan las películas. Cuanto más apuesta por dar un paso más allá y construir una hiperrealidad, más perfecto se vuelve el discurso.

Es por eso, tal vez, que al observar la progresión de la obra de Rosales encontramos que el cineasta ha ido despojándose film a film de los elementos más artificiales de sus narraciones. En la técnica, pasamos de una alternancia entre los planos “espía” (filmados desde detrás de una puerta o desde una ventana) y los más convencionales de Las horas del día a una casi totalidad de esos planos distanciados en La soledad, para terminar llegando al voyeurismo más completo y definitivo en el teleobjetivo lejano de Tiro en la cabeza. Igualmente, los diálogos más o menos frecuentes y rutinarios de la primera película del director dan paso en La soledad a una predominancia de los silencios y, finalmente, a la ausencia completa de diálogo escuchado en Tiro en la cabeza. De este modo, las decisiones estéticas y narrativas de este último film plantean una pregunta inevitable: ¿cuál será el siguiente paso hacia la desnudez formal en el cine de Jaime Rosales?

LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA DE LA DÉCADA PARA PABLO MAQUEDA

LA SOLEDAD (Jaime Rosales, 2007)

Echen la memoria atrás por unos años. No muchos. Dos. Finales de febrero. Palacio de congresos de la comunidad de Madrid. Gala de los Goya 2008. Alejandro Amenábar sobre el escenario. El oscarizado cineasta anuncia los nominados al goya a la mejor película y como cada año los videos de las candidatas se suceden con gritos o aplausos de los miembros del equipo técnico o simpatizante al filme.

Si tienen acceso al video observen y sobre todo escuchen fijamente a cuando llega el momento de La soledad. Tras el video de El orfanato de J.A Bayona y sus lógicos gritos de apoyo como película favorita, el video del filme de Jaime Rosales y un grito ensordecedor desde el piso de arriba que secunda a las pocas personas que gritan junto a los invitados en el piso de abajo. Ese grito de apoyo era mío. Grito que se tornó en alegría al escuchar la película que nos ocupa como ganadora de aquel año en la edición.

No grité por el hecho de que un filme con tan solo 40.000 espectadores de audiencia hasta esa fecha y menos de dos meses en cartel hubiera ganado tal galardón, sino por el riesgo que tal decisión suponía y el reconocimiento nacional el día posterior a un maestro del cine contemporáneo que gracias a ello disfrutaría y disfruta hoy de una presencia mediática mucho mayor así como un lugar en nuestra industria.

La polivisión. Las lágrimas de Petra Martínez. Una explosión en plano general. Una ausencia infantil. Una productora a la que venerar (Fresdeval Films)… imposible perderse una cita con la historia cinematográfica reciente como la que Jose María de Orbe y Rosales produjeron en el año 2007.

Muchas películas están viéndose reivindicadas día tras día en nuestras páginas. El abanico de elección ha sido enorme, yo incluso preveía escribir una defensa doble hacia dos obras maestras de la década, pero al final el recuerdo triunfó sobre la razón.

Éstas joyas eran En la ciudad de Sylvia de Jose Luis Guerín y La mujer sin piano de Javier Rebollo. La última del gran Rebollo aún en cartel. Ya están tardando.

WE LOVE CINEMA

Por Adriana del Teso

TORREMOLINOS 73 (Pablo Berger, 2003) – LA LEYENDA DEL TIEMPO (Isaki Lacuesta, 2006)

Escribir sobre la mejor película española de la década es una tarea que me supera por completo. La década en cuestión me encontró a caballo entre dos ciudades, Buenos Aires y Madrid, así que no pude ver todo el cine español que hubiera deseado. Lo asumo, me falta autoridad y conocimiento como para poder responder a la pregunta que se me formula. Sin embargo, hay un puñado de películas españolas con las cuales aún sigo dialogando: Mi vida sin mí (My Life Without Me, Isabel Coixet, 2003), En la ciudad (Cesc Gay, 2003), Volver(Pedro Almodóvar, 2006), La noche de los girasoles (Jorge Sánchez-Cabezudo, 2006), 25 kilates (Patxi Amézcua, 2008). Son películas que me tocaron, que me abrieron nuevas puertas en torno al cine en español. Películas que ensancharon mi mirada y me fueron dando pistas sobre esta España que sigo conociendo y desconociendo. Sin embargo, a la hora de elegir, me quedo con dos: Torremolinos 73 y La leyenda del tiempo.

De la primera me interesa el mundo que narra, cómo y dónde lo representa. La cinefilia que destila, el juego con el pasado. La historia menor, la de unos pobres seres remando como pueden sus ilusiones y sus fracasos, y la historia mayor, que es apenas una pincelada sobre la resaca del postfranquismo. Me conmueven esos personajes. Me interesa que el resorte de esta comedia sea el dolor y no el costumbrismo. Que lo sombrío este amenazando lo luminoso. Me interesa la metáfora de la pornografía. El deseo y la pasión. El dolor que no se proclama pero que se cuenta. Me asombran y maravillan Candela Peña y Javier Cámara. Me conmueve Candela Peña, desnuda, mirando a cámara, con la belleza, la perplejidad y la derrota a flor de piel.

Por su parte, La leyenda del tiempo es un prodigio, un pequeño milagro narrativo. El cruce entre documental y ficción. La ambición de narrar y explorar. Las preguntas que formula y el modo en que las responde a puro cine. Es una película española que se hace cargo de algo hondo y local y, al mismo tiempo, se encuentra atravesada por una mirada que reconozco y con la que me identifico: la mirada del extranjero.

WE LOVE CINEMA / MADRID LOVES CINEMA

Por Jaime Asensio

HAZ CONMIGO LO QUE QUIERAS (Ramón de España, 2003)

En esta primera década del nuevo siglo XXI, se han producido grandes y pequeñas películas, algunas más sonoras que otras, pero creo, sin duda, que ha sido una época en que los cortometrajistas se han hecho valer.

Títulos como Bosque de sombras (Koldo Serra, 2006), Azuloscurocasinegro (Daniel Sánchez Arévalo, 2006), Los cronocrímenes (Nacho Vigalondo, 2007), Pagafantas (Broja Cobeaga, 2009) o La vergüenza (David Planell, 2009) están escritos y dirigidos por gente que proviene del mundo del cortometraje. Sus primeros trabajos les dieron a conocer en los festivales más importantes, y eso les ha permitido dar el salto al largo; una meta difícil de alcanzar, pero una vez ahí han demostrado ser capaces de hacer autentico cine. Es cierto que la academia suda de ellos, y quisieron sacar al cortometraje del acto de entrega de premios, pero la unión de nuevos cortometrajistas y público alzaron la voz para reclamar su puesto, y bueno ahí siguen, sufriendo el maltrato de los mayores.

Otro sector notable que ha conseguido dar el salto al largo es el de los autores de cómics, o el de la gente relacionada con ellos. En realidad, no son muchos, pero los ha habido y de entre ellos tengo mi película preferida de este nuevo siglo. Por mencionar algunos antes, Jorge Iglesias y Mauro Entrialgo con Gente Pez (2001), Óscar Aibar, premiado guionista de cómics que, tras seis años transcurridos desde su debut, Atolladero (1996), regresó con una fantástica historia original, sencilla y sincera de principio a fin, la excelente Platillos volantes (2003); o el polifacético Hernán Migoya, que dirigió la irreverente comedia ¡Soy un pelele! (2009). Pero en quien me quiero concentrar es en Ramón de España, escritor, cronista y guionista de cómics desde los años ochenta, que debutó en 2003 con Haz conmigo lo que quieras.

Resulta curioso el nacimiento de esta película. Ramón de España escribió el guión y lo movió entre productoras, pero fue rechazado o, directamente, ignorado. Sin embargo, decidió aprovechar la historia y la reescribió en forma de novela que publicó bajo el título La casa del dolor (Editorial Planeta, 2001). Por casualidades de la vida le quisieron comprar los derechos para producir la película, y el propio Ramón de España se encargó de dirigirla.

Haz conmigo lo que quieras cuenta con un esplendido cásting: Ingrid Rubio, Alberto San Juan y Emilio Gutiérrez-Caba a la cabeza; una chica ambiciosa, un ex-legionario algo tocado de la cabeza y un pastelero recién viudo que redescubre la pornografía y se encoña de la chica ambiciosa, un triangulo amoroso al que se une otro tipo de relaciones no menos complicadas. El deseo de unos y otros se interpone mostrando una porción de la avasalladora sociedad en la que vivimos, aún vigente hoy en día, un reflejo muy agudo en el que, sin caer nunca en lo rimbombante de las situaciones, los personajes siguen su objetivo provocando una visceral carcajada en el espectador. Lo ilusorio de la situación donde se ven inmersos resulta tan real como absurdo, que no puedes sino aceptarlo. El desenlace me parece tan bueno como imposible (aunque es probable) que pueda suceder: los diferentes personajes sin relación alguna al comienzo de la historia acaban juntos logrando el ansiado sueño de formar una familia normal, aunque para eso hayan sido el ex-novio, la hijastra y la madre de Maribel (interpretada por Ingrid Rubio).

Me despido con la última línea del guión del film que nos ocupa: <<Hala, a disfrutá, mamarracho>>.

WE LOVE CINEMA

Por Victor Alonso.

LOS CRONOCRÍMENES (Nacho Vigalondo, 2007)

Temo repetirme, creo haber escrito ya en otras partes acerca de esta película, pero no puedo eludirla ahora porque, sin rebuscar mucho, se me impone como la primera opción para celebrar el cine hecho aquí durante la última década. Si más no, como la opción más estimulante, atípica y esperanzadora que en los últimos tiempos vino a colorear esta industria local nuestra que, se dice, va tirando un poco con la pata chula.

Vi Los cronocrímenes un par de veces, una antes y otra después de su estreno, que son maneras sensiblemente dispares de ver una película. La primera vez me descubrí cautivado, fluyendo en un juego un poco retador, algo atrapado en los mimbres, rastrillando; la segunda tomé conciencia de su hondura y de su porqué. Disfruté como un enano y supe que Vigalondo iba a hacer grandes películas después de aquella. No son maneras, quizás no debería haber encarado así la cosa, pero me han pedido una opinión personal y eso es exactamente lo que pensé entonces. Me gustó la película, pero de pronto estaba mirándola como un preludio extraordinario. Tics.

No es su primera intención, pero de Los cronocrímenes me gusta que delata la asimilación de un cine amorfo, de serie B y Z, me gusta que hace de las carencias desafuero y que prima la anomalía para elevarla a dimensión estética. Todo eso es muy difícil de hacer, casi nadie lo hace bien ni con discreción. Vigalondo y su equipo consiguieron la mesura exacta. Lo de viajar en el tiempo también me parece un recurso excepcional para retratar el YO desesperado, un poco informe (la momia rosa, ¡el rostro abstracto!), y un uso minimalista, armónico y muy divertido de algo así como “las edades del hombre”. Porque luego resulta que Los cronocrímenes es una peli romántica y de misión, deriva en una cosa de empeño, de sacrificio y de movidas así. El guión se demora muy gratamente en el tejer, en el tramado del misterio, y por un momento, transitando ya el último tramo de la peli, nos preguntamos eso mismo, que a qué tanto tirabuzón si lo que se cuenta al fin es ni más ni menos que una historia de amor tan leve y tan grave como lo son todas. Pero para entonces estamos tan agradecidos por el pisto, por cómo ha recorrido el terror, la ciencia-ficción y el drama existencial… Todo con una ligereza de ascensorista chiflado pero limpio y formal, buena gente. Y con esas herramientas tan bien aplicadas, Vigalondo nos ha hecho sentir la pequeña tragedia de Héctor en la boca del estómago. Fenomenal.

Lo que yo estoy validando aquí como algo intrépido habrá quien lo entienda como desmesura, pero creo que esa fluctuación interna y ese ir dislocando (que contempla también el humor y una lagrimilla de erotismo selecto) es lo que contiene el discurso de la película, el parecer y la tesis que sea. Cine de autor, hombre, esto es cine de autor enmascarado en falsa humildad. Cine certero y al tiempo cine imperfecto, que es como tiene que ser el cine.

Luego caemos en la cuenta de que las historias de Vigalondo siempre tienen un fondo de aflicción. Él lo sabrá de sobra, aunque ojalá no se pare nunca a pensar en ello y ni siquiera lea esta evaluación entusiasta mía, ni ninguna otra. Vigalondo, como Klaus Kinski, necesita amor, aunque es menos problemático. Menudo elemento. Qué talentazo. Qué suerte la nuestra. Qué buena película esta primera suya y la de cosas majas que va a ir haciendo este tío.

WE LOVE CINEMA

Por Nuria Villa.

AGRADECIMIENTOS: Pete Ashton (Ilustración Rubén Lardín) , Alberto Muriel (Ilustración Los cronocrímenes).

Welovecinema.es alternará diariamente  su dossier de opinión “La mejor película española de la década” con la sección “Operación”. Un tema crítico acerca del “nuevo cine español del milenio”. Mañana martes 9 de febrero: “El cien español en festivales internacionales” por Daniel de Partearroyo (Tren de sombras).